Al comenzar el curso, vimos que lo analizado era puramente de la comunicación en sí, entonces nos costaba entender le porqué de esos temas, ya que nos dedicábamos al diseño y no al periodismo ni a comunicar en sí. Sentíamos que todos esos temas estaban lejos de lo que nosotros hacíamos, y más aún por el hecho de que los textos analizados no tenían nada que ver con nuestros objetivos ni horizontes.
Pero a medida que fue avanzando el curso, comprendimos el porqué de esta materia y a esta altura de la carrera, los ejercicios de Absolut Vodka y de Sagmeister nos dieron una mirada puramente desde lo gráfico, y empezamos a ser conscientes del problema del diseño en la sociedad, luego seguimos estudiando artistas como el caso de Drexler, el de los niños del coro y el de Marina con su experimento con las miradas. Entones allí vimos el labor del diseñador en la sociedad, ese artista es quien regula los contenidos, es el mediador entre empresas, artistas, agrupaciones, gobiernos, etc; con el resto de las masas, y es por eso que debemos ser conscientes de todo lo que podemos ser capaz de hacer.
Y finalmente al estudiar la teoría de María Ledesma, pudimos cerrar el curso y sus contenidos, con su teoría de los "Hacer". Eso nos brindó una posibilidad de categorizar distintos aspectos fundamentales del diseñar, y por ende de la tarea de comunicar. Ella separo el Hacer saber, hacer leer y hacer hacer. Los dos primeros son probablemente para un diseñador jóven, los mas tediosos, ya que tratan de los contenidos de señalética, los que deben ser 100% seguros y de confianza; y el otro de la organización de un texto para que sea leído y prolijo para todas las personas respectivamente. Es el último, hacer hacer, el que más campo laboral tiene, porque tiene que ver con lo estético, con lo subjetivo y no tiene que seguir la norma A=A. Si bien todo trabajo de diseño tiene los tres aspectos en cierto punto,
Del curso nos llevamos una mirada más profunda de la comunicación, ya que al fin y al cabo, cuando se diseña se está comunicando, y nos vamos conscientes de todo lo que un simple dibujo es capaz de repercutir en la sociedad. Además, profundizamos en temas que quizás no se nos hubieran ocurrido, como en la identidad de Absolut Vodka, y conocimos diseñadores como Stefan Sagmeinster.
Para este análisis tenemos dos vídeos de 3 minutos que están cargados de emociones, y donde es notoriamente visible la acción del comunicar. Por un lado tenemos una obra de Marina Abramović, que es y por el otro la acción que toma un coro de niños en un concierto.
La obra de Marina Abramović
La artista Marina decidió experimentar en ese momento con su gran obra. En ella, junta cualidades del teatro, de la pintura, de la estética, del movimiento. Es por eso que le llamamos su obra, porque la gente ronda para ver la exposición, la cual tiene movimiento, pero sin tener una palabra, está cargada de sentimientos, de estética y de belleza. Si bien se expone en un museo, donde se ven en las paredes y por todas partes pinturas y esculturas, la gente puede integrar la obra, cada uno se sienta y mira a la artista.
Sobre Marina, nació en Belgrado, Yugoslavia en 1946; es reconocida por ser una artista serbia del performance, cuya carrera empezó en los años 70. Su trabajo explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo y las posibilidades de la mente. Ella investiga los límites de lo psíquico y lo mental. Entre sus tantos trabajos, ella ha congelado su cuerpo en bloques de hielo, se ha flagelado, ha tomado drogas para controlar sus músculos, y muchas veces ha estado al borde de la muerte por asfixia en una cortina de oxígeno y llamas. Ella basa su obra en rozar el riesgo, sentirlo, y que el espectador sea capaz de notarlo también.
Su carrera comenzó en los años 70 y lleva más de tres décadas en actividad, y se ha declarado a si misma como la "Abuela del arte de la performance", siendo este último concepto el que llamábamos "obra" al principio del análisis. El movimiento, el dejar intervenir, que el espectador sienta y se conmueva con su obra se resume en el arte del performance, que aparece en disciplinas como la danza, pero que ella lo aplicó a distintas búsquedas para que la gente experimente ese dolor.
Sobre su obra, el sitio enfocarte.com dice: "Muchas de las performances de Abramovic en estos 30 años han sido brutales y desconcertantes. Algunas de ellas concluyen sólo cuando alguien del público interviene. Buscando el límite en el cual el público comprueba su resistencia a atestiguar el dolor y el sufrimiento, Abramovic crea un punto de ruptura, marcando radicalmente las sensaciones del presente del espectador" 1. Eso nos explica el porque de su búsqueda y sus experimentaciones, teniendo en cuenta que se crió en el periodo de guerras en Europa, entonces la educación era en extremo estricta. Además, la artista declara: "Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora". 2
En los años 70's, Marina comienza a vivir una apasionada relación amorosa con el artista llamado Ulay, ellos recorrieron el mundo en búsqueda de estas performances. Finalmente, en 1988 decidieron hacer su ultimo trabajo juntos, al cual llamaron "The Great Wall Walk", donde ellos caminaron 2000 km a lo largo de la Gran Muralla China, cada uno comenzando en extremos opuestos y finalmente encontrandose en el medio del recorrido, el asunto es que pactaron luego de esa obra, darse un enorme abrazo y luego no volver a verse jamás.
Es aquí que aparece el protagonismo de este video, que es un resumen de su exposición "El artista está presente". La exhibición consistía en que ella se sentaría un minuto en silencio mirando a los ojos de los espectadores que quieran sentarse frente a ella. La exposición se realizó en el MoMa muchísimos años después de aquella travesía por la muralla china. Con respecto a lo planteado por la Escuela Crítica, primero que nada vemos el valor del raiting, es decir ese experimento lo pudo hacer porque tiene su audiencia, quienes siguen a la artista a donde sea, porque es difícil que tanta gente se junte para ver una presentación que en realidad es aburrida y para quienes no tenemos ojos abiertos lo vemos como aburrido. Lo segundo y lo más interesante, lo diferente de la obra digamos, es la participación que tiene la audiencia en la obra, rompe con el cliché de hacer algo y exponerlo, y que la gente solo lo vea, ella en toda su obra busca un ida y vuelta, experimentando con sentimientos y todo el aspectos psicológico a lo largo de todo el mundo, con propuestas que nadie se hubiera imaginado. Eso genera que quien participa y comparte momento en ese lugar se siente muy próximo a la obra, y tiene el deseo de interactuar y sentir lo que todos sientes. Ya no es el que mira parte de la obra por solo mirar e interpretar, ahora es por pertenecer a la misma, por generar una respuesta hacia la artista, eso es lo innovador y lo hizo exitoso a Marina. Las personas van pasando, el silencio asusta, todos miran, nadie habla. Lo que se ve y que impresiona es el poder de las miradas, vemos la gente con miradas intimidantes, asombradas, asustadas, cada uno encara a la siempre serena mirada de la autora, que en su rostro podemos ver sufrimiento, pero que parece tener todo bajo control. El experimento consiste en compartir las miradas por un minuto con quien se siente en frente, pero quien se siente debe sorprender a la artista, es decir ella no sabe quien se sienta a desafiarla.
Lo que se analiza desde empunto de la Escuela Crítica es el momento en que Ulay pasa a la mesa y se sienta mirando a la artista, que es lo que estudiamos como disonancia cognitiva, toda esa serenidad y sufrimiento que veíamos en la mirada de Marina, se transforma en felicidad y lagrimas, pero ella sigue con el espectáculo, no deja de lado y lo abraza, solo lo mira con unos ojos que transmiten mil emociones más que solo felicidad, y lo toma de las manos, pasado el minuto el se va y deja su lugar a otra persona, y desde ese entonces se marca un quiebre en la obra, ya no tiene la misma mirada indiferente, sus ojos están cargados de subjetividad, perdió aquello objetivo con que enfrentaba a cada una de las personas.
Entonces toda esa estructura que tenía la obra, es decir lo funcional, donde cada participante pasaba miraba y no aparecía una sonrisa, pierde esa estructura, si bien la artista hace lo posible para que el espectáculo continúe, ya nada es lo mismo, la pasión que ella siente en su interior le hizo perder la tranquilidad. La artista se enfrenta a una disonancia cognitiva, ella miraba a todos, tal vez hasta con una mirada arrogante, pensando que nada la iba a sacar de su punto, hasta que apareció Ulay, quien fue el disfuncional en esta cuestión, la artista olvidó todo el dolor que mostraba la gente, y el que ella mostraba al público, y desde ese punto se pierde ese sufrimiento, ese sentimiento de soledad, la habitación seguía completamente en silencio, pero se sentía el ruido, la emoción, esa sobrecarga de sentimientos que no solo la artista sintió, si no todos aquellos que miraban y sabían lo que pasaba.
El coro de niños que deja en silencio a la audiencia
En este video aparece el grupo de niños del coro cantante una canción, y a medida que pasa el tiempo, los niños se van yendo hasta que al fin queda el último. La gente mira asombrada porque no entienden que es lo que esta pasando. Este video es muy parecido al estudiado en clase de los premios Oscar donde El padrino renuncia a recibir su premio para que una nativa indígena de Estados Unidos lo reciba y, vestida con su ropa tradicional, deje un mensaje a toda esa audiencia. Al primer momento nadie entendía que pasaba, ni porqué el actor no subió a recibirlo y si esa jóven nativa, pero cuando explicó, todos entendieron, y es un llamado de atención para toda la sociedad, desde un lugar circular donde todas las miradas apuntan a un solo lugar, al centro; y es un recurso que se utiliza para hacer correr una noticia a las masas, en este caso mostrar lo que está viviendo la población nativa en el país del norte, que no puede estar en paz por las conquistas del territorio.
Las miradas de los padres representan lo incógnito de la situación, es que nadie es consiente de lo que pasa, porque nunca antes se había visto en una agrupación coral y menos siendo niños. Finalmente, cuando solo queda un niño, el se encarga de explicar lo sucedido: "un niño desaparece cada 3 segundos", es un mensaje de conciencia, que realmente eriza la piel con la madurez que el niño encara el tema, pero también lo cruel del asunto, la audiencia queda enmudecida, nadie esperaba ese mensaje, solo fueron a ver a sus hijos cantar, y menos que fuera el niño quien explique la situación.
En este caso, desde el punto de vista de lo funcional, la disonancia cognitiva le resulta a la audiencia, que son quienes enmudecidos tratan de entender lo que pasó, pero también de recapacitar la situación, los niños tienen razón, y encontraron la mejor forma de demostrarlo, porque detrás de todo tiene un mensaje cruel, que asusta, esos niños que desaparecieron podrían haberlo hecho en la realidad según esa estadística presentada por el niño.
Pero desde le punto de vista de la Escuela Crítica, y concluyendo el tema, vemos dos formas de encarar una obra y que no caiga en lo que todos vemos, es decir, todos sabemos como son los coros de niños, y sabemos como serán, en general no traen nada nuevo, y por el lado de Marina, toda su obra es innovadora para el arte como tal, que acostumbra a presentar las imágenes separando la audiencia de la obra. Pero este grupo de niños encontró la forma de culminar el asunto de una manera que imparte a todo el mundo por igual, porque hay que estar distraído para que le mensaje propuesto no le llegue a cualquiera. Las palabras del niño hicieron el efecto que plantea la bala mágica, silenció la sala y a todo el que estaba presente impartí de la misma manera, a diferencia de lo subjetivo que tenía cuando cada niño desaparecía, porque cada uno tejía su hipótesis de que pasaba, pero al explicar eso, no hay otra manera de ver el problema, es la mirada más objetiva que se puede tener del caso.
Vimos estos dos casos, como el de Drexler y el del Vodka, como caminos para, como buscaba la Escuela Crítica de Frankfurt, salir de lo común, de lo que todos vemos, que nos es predecible y común, cotidiano, para encarar un trabajo que realmente, como lograron los niños, pero que quien entiende del tema también le sucedió con Marina: lograr erizar a las personas, que se cree una disonancia cognitiva, que no necesariamente tiene que estar visto como algo negativo, en el caso de Marina vimos que el amor que sentía fue la que hizo que responda así, y en el caso de los niños, esa disonancia logrará que al menos, todos los presentes en la sala, vean el tema con otros ojos.
Stefan Sagmeister es uno de los mejores diseñadores gráficos de este tiempo. Tiene un manejo exuberante de técnicas y una creatividad inagotable en todo lo que hace, desde que se entra a su sitio web (http://www.sagmeisterwalsh.com) hasta que se ven sus trabajos, es evidente el talento que tiene el diseñador, además de las ganas que le pone para que cada trabajo sea mejor que el anterior. Portadas de CD, diseño editorial, afiches, sitios web, diseño de identidad, el artista se ha dedicado en todas las áreas que comprende el diseño gráfico, y en todas ha demostrado que es muy bueno, pero principalmente sobresale en la primer actividad mencionada, la de crear portadas de CD.
El caso es que en uno de esos diseños, el diseñador recibe un encargo de una banda de speed metal para la elaboración de la gráfica de su nuevo disco de música. Él opta por el recurso de la fotografía, pero no es cualquier fotografía, si no que utiliza para la portada del disco, la cual se exhibirá en lugares de venta de música, vidrieras y tiendas, todo a la venta del público, la imagen de una mujer ya difunta y con los cortes de una autopsia.
Imagen de la portada. Fuente: http://historico.elpais.com.uy/Suple/Cultural/08/10/31/64169_298.jpg
La banda de speed metal llamada Proplain fue quien realizó el encargo. Desde el primer momento vemos el trabajo del diseñador gráfico, el cual genera discusión en la gente, pero también difunde la información, en este caso mediante una fotografía se connota la violencia y la estética. Es una imagen agresiva; existe una cuestión estética y de pertenencia que termina resultando en esa violencia, porque es una figura paradojal, teniendo en cuenta que no tiene antecedentes al menos en un disco, que resume el dolor (la enorme cicatriz, es rudo) con la paz de la cara de la mujer, que es acompañada de la postura de su brazo que nos transmite tranquilidad. Todos podemos llegar a sentir vida en esa "mirada" de la mujer, mirada aunque esté con los ojos cerrados, pero tiene una enorme mirada de conformidad. Es un retrato bello, pero como ya mencionábamos es estético y violento. Cuestionado sobre la elección de la fotografía en relación a la banda el autor declara: "Lo que me empujó a utilizar esta foto, a pesar de mis reservas en relación a la cubierta, fue el hecho de que veía múltiples paralelismos entre la imagen y la música. Cuando oyes esa música por primera vez, lo único que oyes es ruido. Luego, en la segunda o tercera audición comienzas a oír las melodías y son asombrosamente suaves, casi tiernas. Y lo mismo se aplica a la imagen de Silverthorne. Primero ves la herida pero luego, si la miras con más detenimiento, comienzas a notar el sentido de paz que transmite la foto. En aquella época, pensé: Es esto. Fue más tarde cuando me di cuenta de que el contexto en el que había utilizado la imagen era totalmente inadecuado. 1
El diseño de la portada tuvo efectos, que tiene que ver con lo que planteó Lasswell en su paradigma de la comunicación de las masas, y ahí alberga todo lo interesante de esta cuestión. Siguiendo el esquema que plantea este paradigma, el mensaje es de la banda hacia su audiencia, porque quiere mostrar su nuevo disco; ahí entra la cuestión del diseñador, Proplain al hacer el encargo deja su música y da idea de lo que quiere en el mismo, pero el resto es toda la tarea a la que se tuvo que enfrentar Stefan. Y finalmente aparecen los efectos, es por eso que podemos vincular este tema y preguntarlo desde el funcionalismo. En la recepción aparecen dos grupos, por una parte están los oyentes de la banda, que es en cuestión el público objetivo (aunque obviamente tiene enormes cuestiones subjetivas como la base de que escuchar esa banda nace de un tema de gustos) y por el otro el resto de la sociedad. Lanzado el disco, se habilita una línea donde se pueden hacer llamadas telefónicas realizando una crítica hacia la portada, ya que Sagmeister está plenamente convencido de que la sociedad no está dispuesta a ver tanta violencia en una imagen, y es acá donde aparece lo interesante del análisis, porque ese efecto que tuvo el lanzamiento de la portada fue completamente efectivo, la gente llamó felicitando y diciendo que la idea es fenomenal. Analizando según el cuadro que realizó Wright sobre la funcionalidad, debemos decir que ese disco tuvo fue súper funcional para su público objetivo, que adquirió un confort psicológico. En este momento es cuando aparece la disonancia cognitiva de Stefan, esa posición incómoda a la que nos enfrentamos cuando creemos que somos algo pero los hechos nos demuestran otras cosas, tenga que ver con el racismo o con cualquier otro tipo de asunto. El diseñador pone esa línea expresamente para que le hagan críticas, le digan que está mala, el es plenamente consciente de la gravedad de la portada, el quiso experimentar, sabiendo que era difícil que la gente acepte tal violencia, dejándonos incluso la idea de que el mismo debía sentir algo de todas las cualidades que ya nombramos. Pero no resulta como el esperaba, tanta crítica positiva hace a Stefan rever la situación, replantearse todo el asunto, porque le cuesta creer los resultados que tuvo. Disfuncional es, plenamente, para los padres y madres del país, quienes sí piden que esa imagen no circule por las vitrinas ni por ningún otro lugar porque puede tener consecuencias en los jóvenes del país. Es una imagen que genera un desequilibrio en la sociedad, cargada de violencia, contrasta con las millones de portadas de bandas que existen en el mundo, que han optado por conceptos que tengan que ver más con el diseño y no tanto con una fotografía cargada de agresividad. Entonces la estructura social se divide en funcional y disfuncional, porque para algunos es una y para otros es otra. El concepto que plantea Lazzerfeld de cantidad en los medios, que trataba de la información como algo narcotizante, donde no hay acciones reales en lo que aparece y vuelve a aparecer; es un punto de partida para entender la cuestión que está por venir. La audiencia no solo gustó de la portada, si no que quisó más, no quedó conforme, aparece nuevamente el concepto por Benjamín de triturar, esta vez acompañado del acostumbramiento. La gente lo ve y lo ve al disco y quiere más, y pide más, y esa banda no puede defraudar, porque sin público, como plantea la industria del arte, se deja de ser artista. Estos efectos surgen en relación a una producción gráfica, por lo que debemos saber que ser diseñador no es solo hacer tal trabajo, si no que debemos sumar una enorme cantidad de efectos a nivel social, que pesan y mucho. En el diseñador generó un conflicto, por eso llamábamos esa disonancia cognitiva a lo que Stefan vivió, y por eso fue disfuncional para el, pero eso le dejó enseñanzas y aprendizaje. Fue una comunicación que resultó eficaz pero que generó un conflicto interno en el creador, que podemos vincular al que realizaba la bala mágica, porque el pensó que nadie iba a aceptar esa imagen, o que si fueran unos pocos, no pidieran más, y eso fue lo que le resulta disfuncional, que ese sector de la población quiera y reclame más portadas así.
Entonces, el artista termina considerando ese diseño como disfuncional, pero en este caso es porque sí tuvo éxito, y eso es lo extraño del caso, ya que para cualquier artista disfuncional es cuando todos rechazan su obra. El hecho es que ningún público objetivo vive en una burbuja, y la estructura social en general hubiera visto como se fortalecían los valores de la normativa, con lo que queremos decir que esa masa de público objetivo no puede pedir algo sin pensar en el resto de la sociedad, porque es esta última la que regula la normativa moral (por el hecho de cantidad), pero no hubo una movida grande con respecto a eso como sí la hubo para que se sigan realizando portadas de ese estilo. El mismo diseñador declara: "Esta imagen es, en su género, la más fuerte que he visto nunca. Descubrí la foto de Silverthorne en una exposición organizada por un amigo mío. Cuando decidimos utilizar la foto en la portada del CD de ese grupo de speed metal me sentí incómodo desde el principio." 2 Jackobson proponía en su teoría de la comunicación dos tipos de componentes: el destinados y el destinatario, siendo el primero el propio diseñador, y el segundo el público objetivo, pero ese destinatario no debe confundirse con lo más genérico que son los receptores, que es la estructura social, es decir, si bien el diseño esta pensado para unos pocos, hay que saber que lo va a ver toda la sociedad. Sobre el acostumbramiento que anteriormente mencionábamos, banaliza la imagen y la lleva a lo común, a lo de todos los días, lo que hace distinto a este caso de cualquier imagen banalizada que haya por el mundo, es la gravedad que tiene la imagen, y eso es lo que hace a este caso distinto del resto. El ejemplo de como la imagen se vuelve algo común, lo vemos cuando vamos al supermercado durante distintos meses del año y siempre vemos manzanas en la sección de frutas, pero si pensamos en alguna cultura nómade, le parece increíble a tal punto de no poder creer que exista toda esa abundancia de comida en todo el año, y manzana es el ejemplo pero pasa con toda la comida. Hoy en día es poco lo que sigue siendo único, la sociedad se ha acostumbrado a todo tipo de cosas, desde guerras, desigualdades, violencia por todos lados, pero no solo viéndolo por el lado de lo trágico, ya que por el otro lado aparece lo que generó la industria con sus millones de copias de un solo objeto. Una vez más, como ya lo hicimos con el caso de Drexler y de Absolut Vodka, vemos la compleja puja entre lo banal y el arte, más precisamente los productos. La industria de la música se vale del diseño para el diseño de su empaque y de esa forma asegurarse que el producto sea un objeto de deseo por sí mismo, dejándo de lado la música, que se puede descargar por un dolar en internet, es por eso que cada portada debe tener todo estudiado para que impacte de manera precisa en la sociedad y conseguir su objetivo. Toda la cuestión está completamente vinculada a la sociedad de medios de USA, y por ende a la Escuela Crítica de Frankfurt, aquellos filósofos que dejaron las estadísticas de lado para buscar comprender el pensamiento mediante la razón crítica, la que sirve para discutir y definir la realidad.
Como conclusión del análisis fuimos consientes del papel del diseñador gráfico en la sociedad, al punto de ser un regulador de contenidos frente a la sociedad. Somos los encargados de comunicar las ideas de las empresas, pero también de otros artistas, y debemos estar al tanto de toda la repercusión que puede resultar de un solo trabajo, sabemos que la mediática nos hace más conocidos en el medio, pero debemos encontrar el equilibrio justo, vimos que el caso de Stefan logró ser positivo para determinado grupo de personas y no en vano hoy en día cuenta con esa trayectoria de diseñador, pero no siempre vamos a correr con esa suerte, muchas veces nos vamos a enfrentar a una crítica demasiado negativa sobre un trabajo, a tal punto que debemos tacharlo de nuestro portafolio.
Paralelismo En clase vimos dos casos en paralelo con respecto a lo funcional y a los medios, pero que tienen que ver con la política y la televisión, por un lado cuando Mujica en conferencia de prensa dice: "esta vieja es peor que el tuerto", y cuando Batlle declara: "los argentinos son unos ladrones, del primero hasta el último". Con esos ejemplos vimos por un lado y muy claro el valor de la palabra, pero por el otro ver la posibilidad de que todos los medios sirven para ser funcionales o disfuncionales. Fueron elegidos como ejemplos de que una simple comunicación puede desatar un caos, parecido a aquel que Sagmeister provocó con su portada. Citas 1 2 http://historico.elpais.com.uy/Suple/Cultural/08/10/31/cultural_378101.asp
La empresa de Vodka "Absolut" es ejemplo de todas partes del mundo en cuanto al diseño gráfico. Miles de profesores utilizan sus afiches como ejemplo para que los alumnos miren y aprendan a diseñar. Es que la empresa apuesta por un diseño completamente sencillo y continuo, pero que, a lo largo de los años, miles de diseñadores han pasado por estos afiches. Ese tipo de afiches demuestran como se puede explotar en el tema del diseño teniendo siempre un solo recurso: en este caso el fondo y la silueta de la botella, dejando a libertad del que mira todo el contexto y lo que la empresa quiera demostrar.
La imagen que la empresa Absolut deja ante el mundo es de una lucha constante contra todo lo que la Escuela de Frankfurt, un grupo de filósofos de origen judío provenientes de Alemania que se instalaron en Estados Unidos, estucaron todo el comportamiento de las masas y de esa sociedad de consumo, pero en base al arte. Ellos innovaron en el concepto de la industria cultural. Absolut es una muestra de como se puede enfrentar eso banal que produce el consumo y lograr que un producto limitado de recursos (vodka, su silueta sencilla en cuanto al diseño) se puede explotar en mil manera y nunca caer en lo común a pesar de los años.
La botella es diseñada con la propuesta de la Escuela. El arte aparece en el momento en que se diseñó la botella, y logra que la botella sea objeto de deseo para toda la población. Tiene una silueta por sobretodo sencilla, y eso lo hace muy recordable.
La empresa busca expresar todo el diseño posible en su producto, nunca se queda en uno, aunque este lo genérico del producto (es vodka, que al igual que el whisky son los estandartes del alcohol, es decir de lo más común y conocido por las personas) y de su silueta (no tiene curvas, ningún estudio en cuanto a la ergonometria 1 , nada tiene en particular a tal punto que a todos si nos plantean dibujar una botella probablemente hagamos esa silueta) y de el hecho de que se han limitado en el recurso de sus afiches promocionales, pero no en la técnica, y eso es lo importante.
La sociedad de consumo, que en ese entonces en estados unidos es estudiada como una masa, es la que, según Walter Benjamin, busca triturar al arte. Este último concepto fue el que mucho sifrió en el siglo XX y hasta hoy en día sigue. Pero más allá de su definición, son quienes lo llevan adelante que sufren: los artistas, aquellas personas dotadas de talento que no pueden trascender debido a que no tienen esa masa que hable de ellos ni que los valore como tales. El arte pierde lo único, se repiten las obras millones de veces, ya no necesito ir al museo a ver la obra original de la Mona Lisa, si no que voy al "barrio de los judíos" y no solo me compro cuadros replica de la obra, que si siquiera tienen la técnica que utilizó DaVinci (son impresos en tela texturada estos cuadros), si no que también puedo traerme remeras, tazas, sábanas con la cara de ella. Y eso es lo que lo convierte en banal, es lo que le quita lo único, hasta llegar a ser común, sacarle todo el valor, y que la gente, por ejemplo, recuerde a la Gioconda por verla en una remera y no por la excelente obra con un exuberante manejo de la técnica que mostró Leonardo al pintarla.
En eso trabajó la Escuela de Frankfurt durante sus tiempos, en tratar de reposicionar el arte como siempre lo fue, con sus características clásicas y únicas, en un mundo donde lo práctico supero notoriamente a lo técnico. Y esa es la lucha que se vive en este mundo constantemente, práctico-teórico, sin uno no hay otro, y ambos conceptos están estrechamente ligados al concepto de la técnica, con un soporte teórico puedo encontrar mi técnica, pero con métodos prácticos también puedo hacerlo. El arte consiste en dominar los tres conceptos bajo un enorme equilibrio, la industria, en cambio, optó por lo puramente práctico, eliminando la técnica original y utilizando sus propias técnicas para lograr su cometido.
En las imágenes vemos dos de los miles de afiches que se conocen de la marca. En ellos, podemos ver lo que ya decíamos de las limitaciones en cuanto al diseño: eje de simetría central, la botella en el medio o en su defecto su silueta, y más abajo el texto: ABSOLUT X, siendo X el tema del cual se base el afiche. Está claramente limitado para el diseñador toda la parte creativa en cuanto al diseño, porque ya existe una plantilla, la cual no deja un espacio libre para lo nuevo (en un diario se tienen plantillas pero en su interior se puede jugar con cambios de columnas, poner más o menos texto, otras imágenes), en cambio en estos afiches sí o sí tenemos que respetar toda esa estructura, dejando lo creativo solo para el juego entre el fondo y el 1er plano y la plena idea de como presentar la silueta. Esa es la parte en la que la empresa hace honor a la Escuela Crítica, ellos valoran la técnica que cada diseñador proponga, lo práctico ya se hizo, es todo tan sencillo como agregar un fondo y jugar con la silueta de la botella, pero nadie pensó que esa parte "sencilla" pudiera tener millones de posibilidades.
Quien identifica un afiche de Absolut, en seguida busca la botella en su contexto, a veces aparece el envase como tal, con adorno o disfrazada, en honor a alguien, o de manera contraria, aparece inmersa en el espacio, en ese contexto aparece un objeto o algo que estando en el medio, recrea la forma de su silueta.
Sobre Absolut, es una empresa de origen sueco que se dedica a la elaboración y comercialización de la bebida Vodka. Antiguamente esa bebida era reconocida mundialmente como puramente producto ruso, siendo el mundo entero quien trataba de imitar aquel sabor, y más impensable aún era que una empresa de Suecia tuviera tanto éxito en ese rubro. Actualmente es la tercer compañía más famosa, por detrás de Smirnoff y Bacardi. La compañía buscó asociar desde un principio la marca con atributos como claridad, simplicidad y perfección. La palabra clave en la empresa es "Transparencia única", y eso es lo que vemos a lo largo de toda la imagen que muestra. Comenzó diseñando el packaging que presentaría el producto, porque más allá de que el contenido sea bueno, la primera imagen es lo que vende a nivel comercial. Entre la serie de decisiones tomadas, aparece la de imprimir el texto y el logotipo directamente en la botella, eliminando así las etiquetas (concepto de transparencia). Ellos no quisieron interponerse entre el consumidor y el producto. La campaña de la que hace eco en el mundo comenzó en 1980, ya que hasta la fecha el envase no era del todo así, la marca tuvo que pasar por una serie de propuestas que algunas poco tienen que ver con la actual.
Otra decisión tomada para su presentación fue su forma, la cual se debe a la de la típica botella de medicina. A lo largo de los años, se fueron ajustando algunos aspectos como el de hacer el cuello más largo, el cambio del color de la tipografía, y el uso de una tipografía más bold y condensada. Fue la Futura en su versión bold condensed, la elegida para presentar el logotipo de la marca, una tipografía plenamente de vanguardia, de carácter sin seria geométrica, el tipo más simple y que más puede acompañar a la empresa.
Lo que más destacó a la empresa y al éxito de su campaña no fue el anuncio en sí (que como ya vimos es completamente sencillo) si no la consistencia que llevan, donde 30 años han sido testigos de miles de anuncios, y con ello, miles de reconocidos artistas gráficos que pasaron por allí, por una campaña donde se aboco completamente al aspecto gráfico, dejando de lado anuncios televisivos o de radio.
"La mayoría de las compañías están basadas en un producto,
la nuestra en un fenómeno"
Ese es el tema que se puede ver en su sitio web, y es claramente lo que identifica a la empresa. Ya no se vende por ser ese vodka o por ese anuncio, se vende por todo lo que trae consigo, llegándose a considerar un fenómeno, fenómeno por las masas, porque todos conocen la empresa, porque saben lo que busca y todo lo que han logrado. La marca tiene un compromiso con la creatividad y el diseño, y lo demuestra en cada paso que da, donde ya ha participado de eventos de diseño, ha invitado a millones de artistas a mostrar su técnica en la marca, pero también ha sido mecenas en un cortometraje llamado I'm here.
https://www.youtube.com/watch?v=cBdbQ5jbh7I
Trailer del cortometraje.
La botella dejó de ser un objeto en sí, para pasar a ser un diseño de colección, es usado como decoración en miles de hogares, y la búsqueda de la empresa no paró y parece no parar jamás. Su ultima gran campaña fue la de diseñar botellas únicas, una edición de 4ooo botellas edición limitada donde convivían los colores y las formas de las manchas, y rompió definitivamente con el concepto de la industria del arte. Tomando como base los conceptos de Benjamin, la marca encontró el aura del diseño y no piensa despojarse de el, además, como propone el autor, se logra la cercanía con el producto, que la gente lo quiera siempre. Además, según la mirada de Adoro, el producto y también la marca tienen su historia, un envase y un trabajo por detrás de todo el éxito. Su nombre Absolut, la forma de su envase y poder lograr una identidad en base a una propuesta artística. Superó esa banalidad que parecía inevitable al ser en cantidades industriales.
En cuanto a su nombre vemos lo poético: ABSOLUT- Absoluto, rico en conceptos, completamente subjetivo, deja que cada uno encuentre que es lo absoluto para él. Es un concepto enormemente abierto, que se puede vincular solo con la marca, solo con el envase, el producto, con el mundo, todo se puede articular como absoluto. Cada quien tendrá sus horizontes de absoluto. Pero más allá de ese concepto, vemos algo que no logra ninguna marca, y es que con un nombre absolutamente genérico (que ni siquiera es un nombre ni un sustantivo), se define esta mega empresa, pero también fueron los únicos en lograr toda una campaña en base a su nombre (en cada afiche, la descripción es "absolut x") entonces lo que se describa en la imagen también esta impregnado de lo "absoluto". Lo más cercano a esto, que es contemporáneo, fue una campaña de Pepsi en Argentina, y con la llegada de Pep Guardiola (Entrenador de fútbol del Barcelona) al país, se creó todo un juego con su nombre y el apodo de su eterno rival, el entrenador del Real Madrid Mourinho. Entonces en los afiches de la campaña siempre apareció el nombre de la empresa en base a la comparación de estos entrenadores. El problema de la campaña es que está limitada completamente al fútbol, problema que no tiene absoluto, que no solo es global, si no que, como lo menciona la empresa, es un fenómeno.
La misión de la empresa es participar donde la gente socializa, quiere ser testigo de ese proceso, y eso es el enorme vínculo que le encontramos al curso. No solo nos sentimos vinculados por todo su camino en el diseño gráfico y en la acción del comunicar una idea, si no que la empresa tiene un enorme compromiso hacia la comunicación de las personas. En cada afiche no solo promociona la botella, si no que nos regala un pedacito de la historia mundial, un personaje, un lugar, busca entretener a las masas buscando la silueta de la botella en lugares que nunca imaginaríamos que estaría. Vemos como el diseño es una salida para evitar lo banal, y esa es una técnica que nos llevamos para el resto de nuestra carrera y nuestra vida. La empresa demostró que partiendo de un producto banal (el vodka) se puede generar un envase que para muchos sea un tesoro con una serie de decisiones a tomar, que el camino es largo y muchas veces se va por buen rumbo, pero se debe experimentar mucho.
1 Ergonometría
(Wikipedia) La ergonomía es la disciplina que se encarga del diseño de lugares de trabajo, herramientas y tareas, de modo que coincidan con las características fisiológicas, anatómicas, psicológicas y las capacidades del trabajador. Busca la optimización de los tres elementos del sistema para lo cual elabora métodos de estudio de la persona, de la técnica y de la organización.
Perdimos las entradas que hicimos para el parcial y estamos tratando de rehacerlas, por eso es que las fechas de posteado dicen 18 de julio, disculpas.
La película La Rosa Blanca narra a lo largo de toda la obra, la comunicación en el siglo XX, más precisamente en el período del nazismo, en la 2da Guerra Mundial. Más allá de que nuestro enfoque principal es la comunicación por el tema del curso, es innegable que la mayor parte de la película se basa en eso, porque esa era la problemática que se vivía día a día, conversar, guardar silencio, respetar, eran normas que la sociedad debía respetar según lo proponga el gobierno que en Alemania es Hilter.
Estamos en Europa, en el período comprendido entre 1900 y 1950, es decir la etapa de las guerras mundiales. En Alemania existía la imposibilidad y la no aceptación de la diferencia, es por eso que se eliminan a todo aquel que sea diferente. Se vive en el totalitarismo y en una censura constante.
Se vive en el régimen del Nazismo, y es por eso que desde el punto de vista de Mariluz Restrepo es una sociedad de filo, donde no se puede mirar hacia el costado, y el respeto es la base de todo. El contexto de dictadura, que tiene un enorme vínculo a las palabras terror e imperio, dominaban la época. Para conquistar Europa y el mundo, primero se tenía que tener asegurado el interior del país, es decir ser fuertes, ganarse el respeto, o en su defecto, el terror de la sociedad, para que luego no te ataquen desde adentro y te dejen expuesto por fuera. Se pone el práctica la estructura militar, que se basa en el respeto hacia altos grados. El deber de todos es responder las órdenes del general con acciones que sean positivas. El terror era tal que no se accedía los debates, lo más cercano eran los interrogatorios cuando uno era culpado por algún hecho. Todo tiene un orden y una estructura, la dula no puede romperse. Pero lo más importante de todo: se tacha el nombre de dios para que nazca el Fuhrer.
Cuando el portero viene a buscarlos porque el ve que los jóvenes son quienes tiraron los papeles por toda la universidad, los agarra y los reporta a la autoridad. Hans le recrimina el haberlo agarrado diciéndole "no me toques", pero el portero hacia su trabajo, era una orden que estaba cumpliendo. Acá aparece una cuestión de cargos, el portero es, dentro de una universidad, uno de los cargos más bajos, y es por ahí que aparece el reproche del jóven, que dice que por ser portero no tiene derecho. Pero cada trabajador, o mejor dicho toda esa sociedad alemana tenía el mandato de delatar a quienes quieran romper el orden del imperio, a quienes busquen manchar lo que el ejército Nazi lograba en Europa, y es por eso que sin importar su lugar en la sociedad, era su obligación denunciar estas actividades. Los porteros son siempre nombrados como alcahuetes, y es por eso que no caían bien en ese entonces.
Los medios cobran una enorme importancia en ese entonces. La radio (el aparato) y su emisión fueron los grandes realizadores del cambio de mentalidad en la gente, con un trabajo lento y detallado, fueron entrando en las casas de todos los alemanes, convenciendo a la gente de que la ideología propuesta e impuesta por Hitler era excelente y no había mejor forma. El discurso de Goebbers, quien se encargaba de la radio Nazi, era el mediador en la comunicación entre el imperio y la sociedad. "Paul Joseph Goebbels fue un político alemán, ministro de propaganda de la Alemania Naciosocialista, figura clave en el régimen y amigo íntimo de Adolf Hitler". 1
LIBERTAD DE EXPRESIÓN
Los gestos y las miradas parecen serlo todo en ese entonces. Así se arregla todo, las autoridades no emiten una palabra, pero con una mirada ellos y nosotros entendemos el tipo de sentencia que sufrirán quienes busquen contradecir su ideología. El problema comunicacional está en la libertad de expresión, aquella que tiene muchísimas cosas que decir, que asume que debe hacerlo, y no puede, es por eso que los jóvenes buscan sus métodos para hacer llegar a toda la sociedad lo equivocado que está el pensamiento que se les impuso.
Como ya lo mencionábamos anteriormente, la sociedad está comunicada bajo el filo, están privados de libertad, imposibilitados de expresar sus pensamientos, y no podían ir en contra de las ideas ya establecidas.
Los jóvenes no tienen buen antecedente ante el estado germano porque su padre criticó a Hitler, llegándolo a delatar como "el azote de la humanidad", es por ello que tuvo que cambiar de vida, y, al igual que a sus hijos, fue denunciado por un empleado.
El gran problema de la comunicación por todo el miedo impuesto llega al sentimiento del ejército. Ellos saben la verdad de todo lo que está pasando en el mundo, pero no se animan a opinar, ya que saben que pueden morir, o bien para agradecer su ascenso. Eso lo demostraba el interrogador, quién cuenta que antes de estar en ese cargo, el trabajaba en su pequeño pueblo, el cual nadie conocía, y hoy era uno de los pilares en la justicia a cargo del Fuhrer.
ACTORES SOCIALES
Los actores sociales son quienes promueven un cambio en la sociedad. En esta película se trata del equipo de la Rosa Blanca, que en la película se nombran a 4 integrantes pero que en realidad fueron decenas de personas. Ellos fueron siempre las voces del pueblo, y se transformaron en mártires por proteger su idea aún ante la muerte.
Llegado el juicio final, cuando le toca el testimonio a Hans, el dice "abran los ojos", porque el sabe que todos son conscientes de lo que se vive, pero con el régimen impuesto del terror, ellos prefieren preservar la vida. Nadie pudo incidir de mejor manera posible, ya que esa frase sí logró que más de alguno abra los ojos, yendo más lejos, el silencio en la sala fue brutal en ese instante, lo que demuestra el principio de una ruptura pequeña pero concisa que logró el grupo de la Rosa Blanca en contra del régimen impuesto por Hitler.
Desde la optica de Lasswell, el teórico planteó sobre la comunicación tres puntos que logran la estabilidad completa del funcionalismo: vigilancia, correlación y transmisión. Viendo la película, vemos que los jóvenes Hans y School cumplen con el primer punto, la vigilancia del entorno, que significa avisar, mantener al tanto de lo que va a pasar. Ellos dicen que la caída de Alemania es inminente, y hacen ver a todos la locura que es la guerra, donde mujeres y niños inocentes mueren día a día. El segundo punto que es la Correlación de actividades tiene que ver con el hecho de organizar, ellos en sus folletos trataron de darle estructura a una movida que era la esperanza de que la guerra termine y el terror impuesto por Hitler también. Y finalmente con el tercer punto que es la Transmisión cultural, tenemos dos partes, la primera es que ellos hicieron uso de eso al seguir la guía que trazó su padre al momento de criticar duramente las actuaciones y decisiones de Fuhrer, pero por el otro, y en un aspecto que tal vez poco pensaron, fueron ídolos y héroes en las próximas generaciones alemanas, que vieron a estos jóvenes, como un punto a seguir, como un camino que ellos trazaron y que toda la población debía seguir, y así las siguientes generaciones pusieron fin a la tiranía, ayudados por los resultados de la guerra. También involucrando a Lazarsfeld y Merton a toda la cuestión de los medios, sabemos que estos últimos tienen y pueden que informar, organizar y transmitir la información hacia la población. La palabra informar nos trae al análisis lo propuesto por Shannon y Weaver acerca de la cantidad de información que tiene todo. El cambio es que lo que ellos propusieron para la tecnología móvil de comunicaciones y que fue usado para estudiar todo tipo de comunicación interhumana, es boicoteado por los medios, ya que ellos son los que regulan que tiene que saber la población y que no. Ellos estimulan a las masas y la hacen actuar como hipnotizándola. En aquel esquema que estudiábamos propuesto por Shannon y Weaver, aparece en la fuente del emisor, a las enormes empresas que hacen lo que sea por engrandecer sus empresas, y por ende, sus riquezas. El dispositivo A y el B serán la televisión y la radio, pero no podemos dejar de lado los afiches, folletos y todo tipo de medio informativo. Finalmente es la masa que recibe ese mensaje, que no va dirigido a alguien particular porque no es una comunicación entre 2 personas particulares. Los bits, que era como se medía la cantidad de información para así saber la efectividad. La eficiencia, al menos hasta ese entonces y por todo el tema que luego profundizaremos de la Bala Mágica, vemos que fue completa. Las empresas lograron desarrollarse enormemente por todas las cuestiones de consumo. También se vincula con Winners por todo lo que la comunicación tiene de complejo en cuanto a lo técnico y militar, ya que estamos en época de guerras y toda la técnica se aboca hacia la milicia. También por ser un fenómeno multidimensional. Con respecto a Lazarsfeld tenemos todo un campo de desarrollo con respecto a la psicología en esta cuestión. El define un líder de opinión, el cual es una persona intelectual y de confianza, sobre la cual se apoya un grupo determinado de personas para tomar decisiones. Se supone que ese líder esta informado en todos los asuntos y su opinión es 100% verídica. Aunque muy distinto en su contexto, tenemos en la película dos líderes de opinión: por un lado Hitler, que es un caso particular porque el hacía que se le haga reverencia mediante el terror y la fuerza; y los otros dos que aparecen son Hans y School, primero sobre la agrupación Rosa Blanca y luego hacia el resto de la sociedad alemana.
Bajo el estudio del paradigma de las audencias propuesto por Lasswell, aparecen las preguntas claves ¿Quién? - ¿Qué?, ¿Porqué?, ¿Efectos? y ¿A quién?. Manteniendo los dos enfoques anteriormente dicho de los líderes de opinión, tenemos por un lado un mensaje que va de Hitler sobre la obediencia y el respeto, porque quiere dominar Europa y después el mundo, y tiene los efectos de respeto y también terror por parte de la sociedad. Por el otro, de la Rosa Blanca porque quieren que la ley vuelva a ser igual para todos y vivir en paz, y trae como efecto una concientización de la gran parte de la sociedad. Es efectivo a largo plazo su mensaje, y se ve cuando al final de la película School y Hans a horas de su condena final dicen: "Nada de esto fue en vano", porque a pesar de los muros enormes y teniendo en cuenta que en toda la película ellos no logran salir de ese lugar, aparece la imagen de una pequeña ventana por donde entra la luz, que tiene como metáfora que a pesar de que se trate de ocultar la verdad con esas paredes enormes (con la estructura de soldados que imponen terror), siempre hay una escapatoria, un punto de luz, que entre toda esa oscuridad, más teniendo en cuenta que luego de la condena serían asesinados, la luz llegó a la sociedad que empezó a cuestionar más lo que allí sucedía.
ALEMANIA -USA
En el mundo emergente, más precisamente en Estados Unidos, el orden público cada vez cobra más sentido y relevancia, Los medios son los que dominan a la sociedad. La radio y la televisión se encargaban de llevar la emisión a las casas, pero no era solo entretenimiento.
En este entonces aparece el concepto de Masa, que es la cantidad de gente atomizada, gente no arraigada (sin raíces), Lábil 2, ya que cede frente a presiones extremas y es inducida por los medios de comunicación.
Aparece la sociedad Crecientemente Normada. Las sociedades no paran de crecer, por el excedente económico y el orden publico en la salud pública. El estado se preocupa por los problemas de la gente, especialmente la alimentación. La gente no participa del mismo mundo, ya no es como un pequeño pueblo, las ciudades crecen enormemente y eso requiere de una normativa social y obliga a actuar.
La diferencia de Estados Unidos es que allí existe la democracia, la libertad de expresión y la pluralidad de medios, donde existen dueños distintos y la economía la manejan los empresarios. Además de convivir con los medios de comunicación masivos (llamados así porque son quienes atomizan a las masas).
En este momento es donde empiezan los problemas de como hacer llegar a la masa tal ideología. En ese entonces se creía en el efecto de la Bala Mágica, que se basaba en que los medios afectaban a todos de igual manera. El problema de esa teoría es que existe cada vez mayor diferenciación, cada uno cree y piensa cosas distintas. Todo se basa en la psicología, y el efecto entiende los principios de la Tábula Raza, planteando que la cabeza de la gente es como un pizarrón en blanco, donde se le da la forma de lo que se le escriba y eso permanece hasta que uno lo borre, como consecuencia del pensamiento, la mente es un vacío que se puede operar.
Como conclusión vemos los factores que dificultan en la labor del diseño. No existe en el mundo una única lengua, en el objeto contemporáneo (diseño gráfico e industrial) se debe ir por una comunicación de integración, de ida y vuelta, ya que vivimos en una sociedad de consumo, donde lo que se publicista es 1% producto y 99% conversación, es decir los medios tratan de exprimir la razón de las personas con el fin de vender su producto, y nosotros debemos entenderlo por ser futuros diseñadores y están involucrados en ese sistema.
Citas
1 http://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Goebbels
2 lábil
adj. Que resbala o se desliza fácilmente: trineo lábil.
Frágil, caduco, débil: cabello lábil.
Poco estable, poco firme en sus resoluciones: jefe lábil.
En este comienzo de entrada, analizaremos el problema existencial que se le presenta al museo.
El mismo, fue fundado por Perito Moreno y podemos encontrar un problema gravisimo, mas que importante. En las ultimas décadas, se generó un conflicto en cuanto a lo que el mismo muestra en sus vitrinas. Este conflicto existencial, surge a través de un reclamo de los indígenas para con los cuerpos exhibidos en el museo. Este reclamo, se entiende por mostrar los esqueletos como objetos, y no como identidades del antepasado. En resumen, lo que ellos quieren es que sean vistos como personas y no como cuerpos no identificados.
Lo que refleja el esqueleto sin su nombre y apellido; es perdida de identidad, algo que no corresponde en cuanto a sus orígenes. Se exige un reconocimiento de su existencia y ahí es donde el museo debería escuchar las pretensiones de la gente. Mediante este problema grave, el museo tiene dos caminos para elegir. Uno de ellos es devolver todas sus pertenencias a los reclamantes -que en sus momento fueron saqueos y donaciones de gente ajena- quedándose sin su propósito inicial y perdiendo la estética del mismo, o mantener la postura de sus exhibiciones e ignorar a sus reclamantes.
En cuanto a la comunicación dentro del museo, podemos notar fácilmente que se trata de un canal visual, debido a sus carteles e información de lo exhibido y una comunicación lineal. La comunicación de filo -problemática- la encontramos en cuanto a la estructura que compone el museo. La información la podemos encontrar escrita en diferentes partes del recorrido, pero sin un "guía" a quien podamos consultarle o brindarle una opinión. Aquí es donde el diseñador, podría tomar parte de cambiar el sistema y darle mas participación a los visitantes, quienes reclaman por los cuerpos. Darle una solución no en las formas, sino en lo que se relaciona a la comunicación, es decir, el mensaje y la forma de mostrar las pertenencias.
Nosotros como diseñadores, tenemos el poder de cambiar la comunicación de filo a hilo. Donde la gente pueda interactuar con alguien del museo y mantener un dialogo para aclarar dudas y acabar con el problema planteado. Una de esas formas, es mediante objetos o indumentaria de la época, para los que van a visitar el museo y hacerlos sentir parte de este proceso que llevan a cabo. A través de algo visual, poder acabar con el problema existencial. Que el publico, este informado y conforme con el museo, para poder así: sentirse identificado y volver a la época. Sentirse parte de lo que observan.
